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周星驰的《功夫女足》正在上演一个奇迹，说拯救了中国电影的 2026 都不为过 在周星驰之前暑期档最多就是 2 亿票房，大家都以为中国电影完蛋了，现在周星驰来了 - 预售票房：8888万，超过了暑期档的热门电影总票房🤣行情差到什么地步了 - 上映首日：预测总票房 14 亿，排片占比 80% - 上映次日：预测票房飙升 25 亿，这是全国院线的认可 很多人骂烂片，就像以前骂《美人鱼》烂片的人一样。但是大多数人还是不发表评论，只购买电影票用行动表达态度

一个观点 周星驰 这一生，都在传播童年贫穷留给他的创伤，没有治愈，只是传播。 周星驰：从喜剧之王，到一座孤岛 1980—1988：没有人托举他的年代 1982年，周星驰拉着梁朝伟一起报考TVB艺员训练班。 梁朝伟考上了，周星驰落榜，最后靠人说情，才进了夜间训练班。 毕业以后，梁朝伟很快成为“无线五虎”，周星驰却被分去主持儿童节目《430穿梭机》，一做就是将近五年。 那几年，他一直在等一个真正的角色。 跑龙套时，他在《射雕英雄传》里演一个宋兵，出场没多久，就要被梅超风一掌打死。 他问导演：能不能先用手挡一下，再死？ 导演直接拒绝。 一个龙套，按照要求死就行了，哪来那么多想法。 十几年后，周星驰把这段经历原样放进《喜剧之王》。 那时候的他，没人听他说话，也没有资格决定自己怎么死。 这段经历，后来成了理解周星驰的一个关键。 他太知道被人轻视是什么感觉。 也正因为如此，一旦拥有了决定权，他就再也不愿意把权力交给任何人。 1988—1990：李修贤，第一个托住他的人 1988年，李修贤选中周星驰，出演《霹雳先锋》。 周星驰凭这个配角，拿下第25届金马奖最佳男配角。 这是他第一次真正被电影圈看见。 随后，他签进李修贤的万能影业。 李修贤给了他进入电影圈的机会，也给了他最早的一纸合约。 问题是，这份合约签在周星驰成名之前。 1990年，《赌圣》上映，票房超过4100万港币，打破香港电影票房纪录。 周星驰一夜之间，从儿童节目主持人，变成整个香港最值钱的男演员。 但他的合约，还是那个不值钱时签下的低价约。 流传最广的版本是，李修贤按照旧合约，把周星驰外借给其他片商。 片商支付的是巨星价格。 周星驰拿到的，却还是合约里的固定收入。 中间的差价，归公司。 站在李修贤的角度，当初是自己承担风险，签下一个没人要的儿童节目主持人。现在演员走红，公司按照合同赚钱，天经地义。 站在周星驰的角度，观众买票，是因为周星驰。 既然市场已经用票房证明了他的价值，为什么还要按照过去的低价，把大部分利益交给公司？ 这也是周星驰此后几十年反复出现的矛盾： 别人认为，自己给过他机会，承担过风险，因此有资格分享成功。 周星驰则认为，成功发生之后，过去的投入都已经不重要了。 真正让项目赚钱的人，是他。 约满以后，周星驰离开。 恩师变成仇人。 李修贤此后二十多年，多次公开批评周星驰忘恩负义。 两人再无合作。 周星驰第一次证明了，只要自己足够值钱，就可以摆脱旧的利益关系。 他也从这次经历里学会了一件事： 不能让别人控制自己的合约， 不能让别人借自己的名字赚钱， 钱必须掌握在自己手里。 1990—1995：永盛给了他最好的时代，他却不愿意永远给别人打工 离开李修贤以后，周星驰进入向华强、向华胜兄弟的永盛体系。 永盛接住了周星驰最值钱的几年。 《赌侠》《整蛊专家》《逃学威龙》《鹿鼎记》《武状元苏乞儿》，一部接着一部。 1992年，香港年度票房前五名，全部是周星驰主演： 《审死官》《家有喜事》《鹿鼎记》《鹿鼎记2》《武状元苏乞儿》。 这一年，被称为“周星驰年”。 但票房越高，周星驰越难接受自己只是一个演员。 投资方认为，电影是一个完整系统，公司出钱，找导演，组织剧组，安排发行，承担亏损风险。 周星驰只是其中最重要的演员。 周星驰却越来越认定： 导演可以换，编剧可以换，投资人也可以换。 真正不能换的，只有周星驰。 既然观众买的是“周星驰”三个字， 他就不愿意只拿演员片酬。 他要改剧本，要决定表演，要控制镜头，要参与分账。 还要决定最终的电影应该是什么样子， 问题很快从投资方蔓延到导演。 杜琪峰执导《审死官》，拿下1992年香港票房冠军。 第二年，两人又合作《济公》，结果《济公》票房和口碑都不理想，片场也不断发生冲突。 杜琪峰后来公开表示，不会再和周星驰合作。 王晶与周星驰合作过十余部电影，最后同样分道扬镳。 王晶后来在访谈中反复表达过类似的判断： 周星驰的才华是真的，难相处，也是真的。 所谓难相处，并不只是脾气不好。 更核心的问题是，周星驰很难承认一部成功的电影，是由很多人共同创造的。 电影不好，他会认为是导演、编剧、演员没有执行好。 电影成功，他又会认为，是自己把所有人的能力组织了起来。 最后的功劳，仍然应该归他。 1994年，周星驰成立彩星公司。 他的第一个项目，是与西安电影制片厂合拍，由刘镇伟执导的《大话西游》。 上下两部电影，在当年票房惨败，彩星公司随之倒闭。 这是周星驰第一次自己当老板。 也是他第一次发现，拥有全部控制权，不等于一定成功。 几年以后，《大话西游》通过盗版VCD和内地高校传播，逐渐成为一代人的文化记忆。 但后来的封神，救不了当年的公司。 与永盛续约谈崩以后，双方彻底分开。 1996年，周星驰重新成立星辉公司，首部作品是《食神》。从此以后，他不再满足于做一个高片酬演员。 他要做老板，要掌握公司，掌握版权，掌握电影， 也掌握最后的利益分配。 多年以后，向太陈岚在《美人鱼》上映前夕连续发表长文，公开炮轰周星驰。“没有向家，就没有周星驰”的说法，也由此反复被提起。向太认为，他们给了周星驰最重要的平台。 周星驰不这样看，在他的逻辑里，永盛不是成就了他，是他用自己的票房，成就了永盛。 这也是他后来所有合作关系的底层逻辑： 别人给他的机会，他会记得一段时间，但只要项目成功，他就会迅速认定，真正创造价值的人是自己。 2001：林小明承担了风险，周星驰却不愿意继续分收益 香港电影进入低潮以后，周星驰筹备《少林足球》。 “功夫加足球”，再加上大量特效，在当时并不是一个稳妥项目。成本高，风险大，题材也怪。 寰宇老板林小明愿意投资，相当于在周星驰最需要资金的时候，押了一次重注。结果，《少林足球》以6073万港币，再次打破香港电影票房纪录。 影片横扫第21届香港电影金像奖七项大奖。 周星驰一人拿下最佳电影、最佳导演、最佳男主角。 黄一飞凭借“大师兄”一角，拿下最佳男配角。 电影拍摄时，为了完成被酒瓶砸头的镜头，黄一飞据称被真酒瓶砸了几十次。 这也是周星驰工作方式的一个缩影。 为了最后的效果，他可以让演员不断重来。 因为在他看来，作品最重要。 至于演员付出了多少、剧组承受了多少，都是完成作品必须支付的成本。 《少林足球》大卖以后，真正的矛盾才开始。 电影不只有院线票房，还有海外版权、录像带、DVD、电视播放、游戏、动画和其他衍生价值。 林小明认为，自己承担了前期投资风险，当然应该继续分享电影成功后的长期收益。 周星驰却认为，《少林足球》之所以能成功，核心是自己的创意、导演、表演和名字。 钱虽然是林小明出的，但真正把钱变成价值的人，是周星驰。 于是双方围绕海外版权和收益分配发生争议，最终对簿公堂。林小明公开表示，不会再有下一次合作。 这件事最能说明周星驰所谓“吃独食”的本质。 他不是简单地喜欢钱，而是始终认为，别人对项目的贡献，都可以计算成成本。 投资人出了钱，应该获得有限回报， 演员出了力，应该获得片酬， 编剧写了剧本，应该获得稿费， 武术指导设计动作，应该获得服务费。 但电影真正长期产生的价值，包括版权、IP、衍生开发和品牌溢价，最终应该属于他。 因为他认为，离开周星驰，这些东西根本不值钱。 这种逻辑对他自己当然有利， 但对合作方来说，等于他们陪他承担最危险的第一程。 项目一旦成功，后面的利益，他就不想再分了。 《少林足球》也是吴孟达与周星驰合作的最后一部电影。 当时没人知道，这会是最后一部。 2004：《功夫》登上巅峰，出钱的人、出力的人，最后都没有留下 《少林足球》之后，周星驰找到了哥伦比亚电影公司。 哥伦比亚参与投资和海外发行，让《功夫》获得了当时华语电影中罕见的制作规模。 动作导演最初是洪金宝，洪金宝带着自己的武术团队进入剧组，拍摄几个月后，洪金宝离开。官方说法，是档期和健康问题。 流传更广的版本是，周星驰不断推翻已经设计好的动作，反复要求修改，洪金宝和武术团队无法忍受这种工作方式。洪金宝后来公开说过，不会再与周星驰合作。 袁和平随后接手。 周星驰请洪金宝，是因为需要洪金宝的能力。 但他又不可能真正把动作部分交给洪金宝决定。 在周星驰的电影里，所有人都可以是专家。 但最后的专家，只能是周星驰。 别人可以提供方案，周星驰负责推翻。 别人可以完成执行，周星驰负责判断。 一旦电影成功，观众记住的也不会是洪金宝、袁和平或者动作团队。 只会记住周星驰的《功夫》，这就是他的强大之处。 也是所有合作关系最危险的地方。 《功夫》最终在香港拿下6100多万港币，第三次刷新周星驰自己的票房纪录。 全球票房约一亿美元，并拿下金像奖、金马奖双料最佳影片。但电影成功以后，哥伦比亚与周星驰的后续合作也没有真正延续。 《功夫2》喊了很多年，始终没有正式开拍。 一个理论上只要启动就具有巨大商业价值的续集，被一拖再拖。 原因当然不只有分账，但分账、版权和控制权，一直是绕不开的问题。 别人愿意出钱，是为了分享成功。 周星驰需要别人出钱，却不愿意在成功以后，长期分享最值钱的部分。 吴孟达原本在《功夫》中有角色。 因为SARS导致拍摄延期，他已经接了其他工作，最终错过。 此后，两人再也没有等到档期真正对上的一天。 吴孟达生前反复澄清，两人没有不和。 他还说过：他没退休，我没死，就还有机会。 2021年2月27日，吴孟达因肝癌去世。 周星驰亲自前往灵堂，机会没有了。 同一时期，周星驰原来的创作班底也在不断散场。 刘镇伟、李力持、谷德昭、曾谨昌，这些曾经与他共同署名剧本、导演和创作的名字，从2000年代开始，陆续从周星驰电影的片头字幕里消失。 罗家英、苑琼丹、黄一飞，各自离开，各自谋生。 长期留在星辉，至今仍公开替周星驰说话的，只剩田启文等极少数人。 这些人为什么走，不能简单归结为一件事。 有人是创作分歧， 有人是利益矛盾， 有人只是各自发展。 但所有人加在一起，呈现出的结果很清楚： 周星驰越来越成功， 周星驰电影里的老面孔，却越来越少， 因为在周星驰的体系里，任何人都可以被替换。 只有周星驰本人不能被替换。 编剧、演员和签约艺人：钱不多，他也不愿意多给 周星驰对大资本的分账敏感， 对小合作方的钱，同样敏感。 按照流传的说法，编剧司徒卓汉曾经向周星驰报出十五万港币稿酬，周星驰只愿意支付十万。 十五万和十万，对一部商业电影而言，根本不是决定性成本。 但周星驰仍然要压价。 因为在他的创作逻辑里，编剧写出的只是初稿。 真正决定笑点、表演、节奏和最终成片的人，还是他。 既然剧本最后还要由他修改，编剧就不值那么多钱。 梁小龙出演《功夫》里的火云邪神后，一度签进周星驰旗下公司。 梁小龙后来公开表示，签约之后，很多演出工作依然需要自己寻找，公司却仍要从收入中抽佣。 从公司的角度，签约艺人、管理经纪事务，抽佣是行业惯例。 从梁小龙的角度，公司没有提供足够资源，工作是自己找的，却还要拿走三成。 这也是周星驰利益逻辑的另一面： 别人的钱，他会计算得非常清楚。 自己的责任，却未必按照同样严格的比例计算。 项目需要艺人时，艺人是公司资产。 艺人需要资源时，公司却未必能真正托住他。 吴孟达、梁小龙、黄一飞、罗家英、苑琼丹，这些人共同构成了周星驰电影最被观众记住的世界。 但在商业结构里，他们大多只是演员。 拿片酬，完成角色。 电影之后几十年持续产生的品牌价值，最终仍然归属于“周星驰电影”。 周星驰保留了最大的长期价值， 其他人拿走的是一次性收入。 这当然符合很多电影项目的商业规则。 但当一个创作者长期把所有合作都处理成一次性交易，最后得到的也只能是一批又一批一次性合作的人。 2008—2015：退出主演以后，他开始直接与资本争钱 《长江7号》于2008年上映，这是周星驰最后一部主演的电影。此后，他逐渐退到幕后。 2013年，《西游降魔篇》上映，票房12.46亿元，成为年度华语片冠军。 电影成功以后，周星驰旗下崴盈投资依据一份“票房超过5亿元后阶梯分红”的补充协议，向华谊追讨8610万元。 周星驰方面认为，王中磊曾经答应，电影票房达到相应规模后，给予额外收益。 华谊则认为，相关协议没有正式签署，也没有经过上市公司的有效决策程序，因此不能生效。 双方最终进入诉讼。 2014年至2015年，两审结果，周星驰方面均败诉。 这件事的重点，不只是8610万元到底该不该给。 而是《西游降魔篇》已经取得了空前成功。 正常情况下，一次成功合作，应该成为下一次合作的基础。 到了周星驰这里，却再次变成分钱时的决裂。 华谊承担了投资和发行风险，电影大卖以后，周星驰认为，原来的收益还不够。 因为票房超过预期，自己的价值也应该重新计算。 问题在于，资本的逻辑是： 亏损时，按照合同承担。 盈利时，也按照合同分配。 不能电影亏了，投资人认账。 电影赚了，核心创作者又要求重新谈价。 周星驰的逻辑则是： 合同签署时，没人知道电影会这么成功。 既然成功主要来自我的创作和品牌，原来的分配方式就低估了我的价值。 两套逻辑，都能自圆其说。 但对于合作关系而言，结果只有一个： 项目越成功，双方越容易翻脸。 后来，周星驰与徐克合作《西游伏妖篇》，阿里影业等公司参与投资。 电影票房达到16.5亿元，但口碑平平。 周星驰与阿里影业也没有由此建立长期稳定的合作。 资本换了一家又一家，矛盾却总是相似。 因为周星驰需要的，不是普通投资人。 他需要的是愿意出钱，却不干涉创作；承担风险，却不过多分享收益；项目出现问题时负责兜底，项目成功以后又接受周星驰拿走最大价值的人。 （凯子？？？） 2016：《美人鱼》赚到顶峰，他又想把下一轮利益留给自己 2016年，《美人鱼》上映 影片获得18亿元保底发行，最终票房达到33.9亿元。 这是中国电影史上第一部票房突破30亿元的电影。 纪录一直保持到第二年的《战狼2》。 《美人鱼》的成功，再次证明周星驰的名字拥有巨大的市场价值。 也再次放大了他与合作方之间最根本的矛盾。 资本认为，自己承担了保底、投资、宣传、发行和市场风险，因此应该分享项目成功。 周星驰则会认为： 电影能卖到33.9亿元，归根结底，是因为观众相信周星驰。 光线等合作方在第一部中参与投资和发行。 到了《美人鱼2》，原来的合作结构没有延续。 第一部成功以后，周星驰认为合作方分走的利益太多。 于是第二部不再按照原来的结构合作，而是重新组织资金和制作，希望把更多版权、控制权和收益留在自己的体系中。 第一部风险最大时，大家一起承担。 等IP已经被验证，续集理论上更容易赚钱，原来的合作方却被换掉。 从周星驰的角度，他是在收回本来就属于自己的价值。 从合作方的角度，这等于陪他走过最危险的一程，等到真正可以稳定赚钱时，却被踢出了牌桌。 同期，新文化传媒以13.26亿元，收购周星驰旗下PDAL公司51%的股权。 周星驰签下对赌协议： 数年内，公司净利润合计超过10亿元。 如果没有完成，他需要自掏腰包补足。 周星驰拿到了巨额资金，也把未来作品变成了必须完成的业绩。 对赌从资金，变成枷锁。 《西游伏妖篇》票房16.5亿元，口碑一般。 《新喜剧之王》于2019年上映，票房6.24亿元，被不少观众视为赶工交差。 业绩仍然没有达到预期。 过去，周星驰总想把更多利益留给自己。 到了对赌阶段，他终于拿到了更完整的资本收益。 代价是，资本也用最直接的方式，把利润指标压在了他身上。 《美人鱼2》：想把更多东西抓在自己手里，最后所有人的钱都被困住了 《美人鱼2》于2018年3月在深圳低调开机。 此后，项目陷入漫长的后期。 初始成本据称约4亿元，因为多次补拍、特效重制和利息累积，据称总成本已经超过7亿元。回本线也被推高到24亿元左右。 投资人刘央曾公开抱怨，自己投入巨大，项目多年没有上映，资金长期被压，直言被“拖惨了”。 片中两名男艺人先后成为劣迹艺人，相关戏份需要删除、替换。还传出过AI换脸、重新配音等处理方式。 2021年，影片在深圳进行大规模补拍。 2022年，又因疫情等原因重拍部分场景。 此后，补拍和后期调整反复传出。 豆瓣页面上的上映日期，一度写到“2028，未定”。 这部电影最讽刺的地方在于： 周星驰一直希望减少别人对项目的分配，增加自己对投资、版权、制作和收益的控制。 但当原来的合作结构被拆掉，更多事情掌握在自己手里以后，他并没有证明，自己能够稳定地管理一部如此庞大的商业项目。 项目规模越大，越不能只靠一个人的审美和意志运行。 周星驰想少分一点给别人。 最后却可能让所有人都分不到。 这就是“吃独食”走到极端后的结果： 不是一个人赚得更多。 而是一桌饭放到发霉，谁也吃不上。 前女友于文凤：连最长的一段感情，最后也在法庭上算账 于文凤曾经是周星驰交往时间最长的女友之一，也长期参与他的投资和资产管理。 两人分手多年以后，于文凤起诉周星驰，追讨约7000万港币的投资分红。 于文凤方面认为，双方曾经存在收益分配约定。 周星驰方面则认为，相关承诺并不构成具有法律效力的合同义务。 2021年，法院判周星驰胜诉。法律上，周星驰赢了。 但这件事仍然延续了他人生中最熟悉的结局： 关系开始时，双方谈感情、信任和共同利益。 关系结束时，双方拿出合同、承诺和分账比例，在法庭上计算每一分钱。 朋友如此。投资人如此。合作公司如此。 连最长的一段感情，最后也是如此。 短剧与旧IP：团队散了以后，只剩“周星驰”这个名字还能反复变现 《新喜剧之王》以后，周星驰多年没有正式上映新的导演长片。他开始进入短剧领域。 《金猪玉叶》《大话大话西游》等项目，都把“周星驰”放在宣传的中心。 由周星驰发起， 周星驰监制， 周星驰把关， 周星驰作品。 但周星驰本人不出演。 过去那些编剧、导演、配角和创作班底，也基本不在。 剩下的是一批新人，按照所谓“周星驰式喜剧”进行表演。 结果并不理想。 因为周星驰电影最不可复制的部分，从来不是几个桥段，也不是几句台词。而是周星驰本人，加上一整套长期磨合出来的创作共同体。 现在，他保留了“周星驰”这个最值钱的品牌。 却失去了共同创造这个品牌的人。 于是，他只能继续使用过去的IP。 《大话西游》 《喜剧之王》 《少林足球》 这些作品的价值，被一遍又一遍重新调用。 当年共同创作的人散了。 作品留下的长期品牌价值，却被集中到周星驰一个人的名字下面。 2026年7月11日：《功夫女足》，又一次把旧情怀端上桌 2026年7月11日，周星驰执导的《功夫女足》上映。 这是他时隔七年推出的新导演电影。 也是《少林足球》上映25周年后的精神续作。 周星驰本人没有正面出镜，只在片尾彩蛋中留下一个背影。 影片首日票房突破2亿元，并刷新中国影史暑期档首映日场次纪录。 还是足球，还是功夫，还是小人物，还是逆袭， 还是在调用《少林足球》的记忆。 但当年真正共同创造《少林足球》的人，已经不在了。 林小明不在。吴孟达不在。 原来的演员、编剧、武术团队和香港电影工业环境，也不在。 周星驰保留了最核心的IP。 也保留了最终的控制权。 但IP并不是一个人的回忆。 《少林足球》之所以成为《少林足球》，不只是因为周星驰。 周星驰始终认为，自己是那个最不可替代的人。 这当然没错。 但他进一步认为，既然自己不可替代，其他人的贡献就可以被低估，可以被压价，可以被替换，可以在成功以后少分一点。 这才是他几十年合作关系不断断裂的根源。 从喜剧之王，到孤岛之王， 周星驰不是被某一个人封杀。 也没有一份真正存在的“全行业封杀令”。 周星驰始终认为，成功主要属于自己。 只有周星驰的名字、创意和判断，才是项目真正的价值。 他总觉得别人拿多了 投资人拿多了， 公司拿多了， 编剧拿多了， 演员拿多了， 经纪关系里的艺人，也拿多了。 只要项目成功，他就想把更多版权、更多利润、更多控制权，重新收回自己手里。 开始的时候，这种做法让他摆脱了低价合约。 后来，让他摆脱了电影公司。 再后来，让他摆脱了投资方、导演、编剧和老演员。 他越来越自由， 也越来越孤立。 他拿回了版权， 拿回了公司， 拿回了创作权， 拿回了最终剪辑和项目主导权。 也一次次试图拿回更多分账。 最后，他终于成为整套系统里最不可替代的人， 但代价是，那套系统本身已经没有了。 情怀当然还可以卖出第一张票。 “周星驰”三个字，也仍然足以让无数观众走进电影院。 只是电影不是一个人关起门来就能完成的东西。 PS: 周星驰真的充分说明了人性的复杂，以及人类样本的多样性。

电影业的老登们大溃退 📷 前天刷到一个评论，列着名单把电影业的知名演员导演嘲笑了一番，说老登们完蛋了。 我是个电影爱好者，持续到三年前，还跟女儿去普吉岛的电影院看电影。 我的英文不够好，好在好莱坞电影不用看太多台词，基努里维斯在John Wick 里也没说几句话。 我这三年就经常回国，父母一直生病，姐姐吃不消的时候，就会叫我回去，轮替一下。 在电子化还没全国联网的时候，要跑回上海帮父母处理一些事情。 在山东和上海两地跑，母亲和父亲接连过世，尤其是母亲过世之后，我开着车茫茫然突然迷路了。 心知这样不行，回沪之后去看了两场电影散心，然后遇见奇景，电影院门庭冷落，不开空调，入场后整场电影只有我一个人。 这更让人心情低落，似乎世道萧瑟，一个时代过去了。 我遇到电影圈的哥们，他跟我闲聊，可惜道，早年你写影评，如果坚持下去，现在是知名影评人，一篇影评顶你写几篇财经了。 不过我觉得这行业这么萧瑟，还能给这么多钱写软文，更显得萧瑟了。 但这三年有几部爆款，哪吒狂揽一百多亿票房，阿嬷的情书十几亿，都不算主流明导。 朋友推荐我去看一部小妞电影，看了二十分钟，情节和台词尬的我脚指头能原地抠出三室两厅，落荒而逃，在门口咖啡馆喝杯咖啡压压惊。 这部片子也有几亿票房，所以后面一年跟风女性电影，几乎全军覆没，二部纯男性街溜子电影票房盈利俱佳。 接着导演明星们就不知道该怎么办了，一堆知名演员导演的电影铩羽而归。 题材一片混乱，电影业完全抓不住潮流了，也制造不了潮流了。 冯小刚基于王朔的电影创造了一种潮流，他后半段职业生涯就丧失了维持潮流的能力。 疯狂的石头，泰囧三人党也曾创造了一种潮流，也消失了。 周星驰也老了。 港圈京圈沪圈都岌岌可危。 现在就开心麻花一家撑着真人电影，阿嬷的情书是地域文化很强烈的爆款，但照抄下去，很可能死路一条。 所以，电影业是寻找潮流，还是哪个地域势力重新崛起，还是泛娱乐圈的广泛兴起，满天繁星？ 这是因为电影业老登们纷纷扶起自己的子弟入场，星二代是否如美国印度等电影世家那样，不仅仅是极强的人脉，还有真正的才华。 这两个纯资本看盈利的国度，是会给导二代星二代机会，但一旦亏本，就会被扫地出门。 中国电影业的二代们有必须的才华来征服观众吗？ 业内不觉得，高高在上俯视众生，觉得我花钱买流量，引导观众吃屎也有票房。 走个面儿。 但电影业给草根机会吗？给了，你得证明自己先，比如阿嬷的情书。 但是这种机会是人家赏饭吃。 创作者能决定展现机会吗？要院线给机会，要平台给机会。 平台不让你出现，你能出现在院线？院线怎么才能看到好的电影？ 换言之，你们把整个电影业压的创作者没有多少机会，电影生态也就局限在老登圈，观众也就抛弃你们了。 泛娱乐生态已经不给电影业机会。 各位每天刷各个平台的短视频，在满天垃圾中也有满天繁星飞舞，才艺惊人的草根创作者脱颖而出。 曾垄断传统电影业机会的老登们能拿这数百万创作者怎么办呢？ 摁着不让出头吗？ 做不到，对吧。 AI也席卷天下了，这下从剧本灯光道具导演的工作，AI都做了，只要创作者有创意，懂得如何调教AI。 一旦资本觉得这些取之不尽的创意可以在自己平台上，获得巨大流量费，卖出无数token,他们还会青睐电影业吗？ 醒来！老登们！ 传统电影院会关闭许多家，不会消失。 有些电影还是适合在电影院看的。 但是电影院的社交功能消失了，售票大厅成了摆设，那原来是青少年社交的地方。 我在茂名路看电影时，这个电影院还有人气的原因是它无意中有个咖啡馆在门厅。 于此同时，歌舞剧、话剧、脱口秀剧场座无虚席。 这个时代，讲故事的人更多了，而不是更少了，Z世代的人可以宅在家里刷视频打游戏，也会去剧场去秀场。 老登观众们实际每天刷视频的时间，比Z世代还多。 你们得讲好故事，不要再讲成功和时代伤痕了，阿嬷的故事提醒各位，要讲真正的情感，纯真无邪。

冯小刚有话语权的时候牛逼哄哄，今天抽这个明天打那个的。 如今华谊兄弟不行了，他也是老实了。推广新电影这个卑躬屈膝，还指望北京老少爷们给他捧个场，“谢谢大伙了”。 那他妈的票房又不分给我们，什么叫我给你走个面儿？ 这种老逼登导演就不该继续占着生态位了，新时代是属于蓝鸿春、邵艺辉的，人民用票房和口碑选择的《给阿嬷的情书》。 这种裹挟观众、靠情面带票房的，就别再霸凌中国电影市场了。 老而不死是为贼。

最近电影业票房出现了巨变，群众把市场和明星们吓坏了 1. 我是电影票房爱好者，经常研究电影票房。是从2017年《战狼2》开始的，看了片觉得不错，扯了两句票房，感觉能30亿。但没想到火爆到要几次上调预测，最后说了个60亿，最终56.94亿。当时真很吓人，当时最多的是周星驰搞的《美人鱼》，30多亿。 2. 但这种”吓人“是好事，打开了“向上”的预测空间。2018年《红海行动》36.52亿，《我不是药神》31.00亿，算是接上力了，业界终于敢大投入了，知道中国电影是“金矿”。后面果然中国电影票房爆发了，几个50多亿，40多亿的也不少。2019年《哪吒1》50.36亿，《流浪地球1》46.87亿，《我和我的祖国》31.70亿，好莱坞的《复仇者联盟4》42.50亿，都是突破。2021年是电影大年，《长津湖》第一部57.75亿超过了《战狼2》一点，《你好李焕英》54亿，女导演第一，《唐人街探案3》都有45.24亿。 3. 再到后面2022年，《长津湖之水门桥》40.67亿，《独行月球》31.03亿，往下走可以理解。2023年感觉上又回到大年了，《满江红》45.44亿，《流浪地球2》40.44亿，《孤注一掷》38.50亿，《消失的她》35.24亿。到这时，我感觉都还可以，除了30多亿的，《长安三万里》这种不到20亿的也挺好看。春节档可以，暑期档都不错。 4. 2024年不太对劲了，《热辣滚烫》34.18亿就第一了？《抓娃娃》33.28亿、《飞驰人生2》33.61亿。似乎是，大家过年要去看电影，没什么好选的了，就这几个吧。当时有点失望，感觉中国电影似乎就这点招了。 5. 再后面2025年，市场彻底变化了。一头是《哪吒2》154.46亿，突破了最狂野的想象力。中国电影票房潜力有多高，深不可测了。我是完完全全震惊了，怎么也不可能想到这个数。但是另一头，又是电影界的恐慌，大家不想看一般的电影了，只有《南京照相馆》30.17亿算可以。年底又出了一个没想到，好莱坞的《疯狂动物城2》45.94亿。 6. 到2026年，电影业危机彻底爆发。《飞驰人生3》44.21亿，看似成功，我认为说明了电影业的整体失败，春节档别的没有能打的，这个还能看下，没多好看，惯性观影。如果排第二的是《给阿嬷的情书》20亿，那市场的清冷算是多年来最差的。这年“吓人”的是，几个大牌明星都给出了极惨的票房，“向下”的想象空间打开了。谁来都不好使，群众不会因为明星去看片，这个事市场已经相信了。几亿算不错了，几千万不算差，几百万也可能。这等于摧毁了电影工业体系的定价基础。 7. 按好莱坞规矩，抗票房的明星，扑了一部大制作业界会再给一次机会，市场波动、档期竞争、营销失误、导演问题，原因可能很多；如果连续第二次扑了，说明观众缘已经不行，再没有机会了，从A-list里除名。那中国这的局面是，没人有抗票房的能力。不是个别明星的事，全都不行。 8. 电影搞“大明星+大制作”，在中国这等于找死。以前大制作也有机会扑街，但多少有点票房，几亿都算失败。现在直接给你几千万的数据，几百万也可能，玩去吧。中国电影市场称得上全球最残酷，观众不认人只认片。不是没钱看电影，好了可以50亿、上百亿。但要是没啥看头，直接凉透。原因比较复杂，感觉是群众观影眼光比电影业界进步得更快。

讲述中国潮汕侨民故事的低成本电影《给阿嬷的情书》，成为中国电影票房黑马，并掀起东南亚华人群体的讨论。 电影讲述了孙子因债务远赴泰国寻找传说中的富豪阿公，却发现数十年寄给阿嬷的“情书”竟来自一位素不相识的泰国华侨女性。 那么，这部没有明星和特效，甚至全是素人演员的独立电影是如何“逆袭”的？

你看完哭了没有，这部适合约会看的电影。 刚看完给阿嬷的情书，2个多小时，和一个妹妹一起看到，她看哭了，我没有， 不过眼眶略微有点湿热，还是觉得没有网上传的那么好看， 可能不够热血，情绪冲击力不够强，没有太多的搞笑的包袱。 但这个恰巧是这部电影最大的技巧， 它没有强行煽情，催人泪下，没有设计太多套路，就很细水长流，温情脉脉，符合逻辑与人情。 我本以为老年痴呆的谢南枝真的忘了淑芬（阿嬷），没想到合照后她居然想起来了，这个地方最让我感动，动人，导演也没有安排人一起强行煽情。 结尾最后才发现，它是根据中国人下南洋的历史改变的，必须要好好推荐，我爱历史。 #给阿嬷的情书##中国历史##中国电影#

阿嬷的情书火爆，有深度有生命力的中国电影似乎大多是方言的，比如《疯狂的石头》，当年看了好多遍。再比如爱情神话、港片。 想象的共同体往往来源于压制。也许因为方言是对宏大叙事、标准化、资本化的一种反抗。 朋友跟我说，虽然石班瑜的配音很强，但看原版的粤语周星驰电影，才能感受到真正 local 的幽默。